A crescut la spectacolele Teatrului Vechi Karol Spišák din Nitra. A studiat crearea de jucării și obiecte decorative și, deși mai târziu a dorit să meargă la pictură, scenografia marionete a câștigat în cele din urmă. Cu toate acestea, nici acest lucru nu a fost suficient pentru ea, așa că în ultimul timp a fost și regizor și autor. Fie că este vorba de teatru de teatru sau de păpuși, producții pentru copii sau adulți, Daša Krištofovičová creează întotdeauna cu poetica artistică specifică, un simț al umorului, cu o vedere și autoironie.
A studiat scenografie mai întâi la Departamentul de Păpuși la Academia de Arte Performante din Bratislava și mai târziu la Departamentul de Teatru Alternativ din DAMU din Praga. Ce au însemnat aceste două lumi academice pentru munca ta?
De asemenea, am fost condus și inspirat la Academia de Arte Performante de faptul că am studiat cu scenograful Eva Farkašová, care este încă un model excelent pentru mine. Mai ales pentru profesionalismul ei, acuratețea, perspectivele excelente și complexitatea cu care ia lucrarea. Nu se concentrează doar pe vizualitate, ci și pe funcționalitatea din cadrul conceptului. În același timp, a reușit să găsească cheia potrivită pentru comunicarea cu elevii - astfel încât să o poată înțelege, dar în același timp nu i-a subestimat. La Praga, am experimentat un mod complet diferit de dialog în studioul lui Petr Matásk. Uneori a fost o nebunie cu el, uneori era foarte mișto și înțelegător și alteori nu l-am înțeles deloc. Cu toate acestea, datorită lui, am pătruns în latura practică a muncii, m-am învățat la ce să fiu atent când fac o producție direct în teatru și cum să nu fiu păcălit că ceva nu este posibil atunci când este de fapt posibil.
De asemenea, creați dramă pentru teatrul de păpuși, dar întotdeauna cu o scriere artistică puternică. Cum cauți o identitate vizuală specifică - ești inspirat de text, pe baza căruia este creată scenografia sau creezi conceptul într-un dialog cu regizorul?
Depinde de cooperarea specifică. De exemplu, îl cunosc pe Simon Spišák de foarte mult timp și am lucrat cu el de mai multe ori. Știu că nu-i place o „artă iubitoare” atât de frumoasă și vrea ca scenografia să fie cât mai practică și să-i „servească” conceptul. În același timp, el nu are niciodată un scenariu strict conform căruia dirijează, deci nu este posibil să planificăm imediat o scenografie specifică. În timpul ultimei noastre colaborări - Kocúr in Boots at the New Theatre - am venit cu un spațiu mai neutru, fragmentat, care poate fi folosit pe mai multe niveluri. În același timp, am vrut să lucrez în scenografie cu o temă care a fost dată de la început - pisica este un ticălos care manipulează pe toată lumea. Am vrut ca scena să fie o imagine a lumii sale, a opticii sale și astfel a fost creat un apartament de conspirație pentru pisici, complet acoperit cu covor, în care există rame de cățărat pentru pisici, răzuitoare și așa mai departe.
Când lucrez pentru un regizor anume și nu este Šimon Spišák, de obicei încerc să pregătesc proiectele în prealabil, astfel încât să vă puteți imagina. Dar dacă dirijez, atunci scenografia este de obicei creată în timpul repetițiilor și se schimbă adesea în diferite moduri.
În 2014, împreună cu regizoarea Silvia Vollmann, v-am invitat ca cuplu creativ la un „talk show” din seria Eye to Eye cu MLOK. Colaborarea ta a început deja în timpul școlii legendarului Hola, Madrid! și a creat treptat scenografie pentru mai multe dintre producțiile ei de marionete și drame. Care este baza „alianței creative” pe termen lung?
Arta este foarte importantă pentru Silvia, mai ales într-o asemenea măsură încât întregul concept derivă din el. Vizualul din producțiile sale poartă o idee specifică și chiar în operele dramatice, ea decodifică foarte des orice altceva. Uneori, regizorul se subordonează chiar să scoată în evidență o intenție sau un efect artistic specific. Acesta este modul în care îmi imaginez o colaborare bună - într-un fel, cedez față de ea ca regizor și într-un fel o cedează ei, astfel încât să fie în cele din urmă consecventă. Dar motivul este probabil imaginația artistică specifică a Silviei și, în același timp, dorința de a o încorpora coerent în concept. Nu fiecare regizor are asta.
Poate fi un pic de optimism al memoriei, dar după acei ani găsesc procesul de încercare Hola, Madrid! perfect. Am avut mult timp, am putea încerca orice și să ne gândim la toate mai mult decât de multe ori acum, când facem mai multe proiecte simultan. Nu mai avem confortul facultății - să dedicăm o producție unui sfert de an, ceea ce este păcat. Principiul principal al artei din Hola, Madrid! au existat baloane și diferitele lor variații, care au devenit coechipier al singurei actrițe - Lydia Ondrušová (pe atunci Petrušová, nota editorului). Chiar și atunci a început să apară o colaborare în care regizorul și scenograful sunt egali. În prezent, colaborez cu Silvia la producția Criptogramă de la Teatrul X10 din Praga, unde încercăm să decodificăm limbajul încurcat Mamet.
Când colaborați la producții pentru un public pentru copii, vă gândiți și la ele atunci când creați conceptul de scenografie? De exemplu, luați în considerare categoria de vârstă specifică pentru care este destinată producția?
Încerc să cred că copiilor le place mai ales, este pentru ei. Cu toate acestea, nu aș vrea să le subestimez. Simt că acesta este un fenomen care apare adesea în teatrul nostru pentru copii. În același timp, mi se pare că copiilor nu le place să fie împinși la ceva care este pur și simplu drăguț, bun și roz și că și ei pot aprecia o glumă vizuală. Cred că trebuie să le vorbești clar. Ei înțeleg mult mai mult decât am putea crede și, dacă nu o fac, cu siguranță o pot face cunoscută.
Ceea ce spui îmi amintește remarcabil de opera Teatrului Vechi Karol Spišák, mai ales în epoca „Spišák”. Ai sentimentul că estetica sau poetica acestui teatru se reflectă și în opera ta?
Poate nu destul de conștient, dar toată această „bandă” Nitra de la Teatrul Vechi, care ulterior s-a mutat la Teatrul Nou, cu siguranță m-a influențat. Au fost întotdeauna oameni de care m-am simțit aproape - atât umane, cât și artistice și profesionale. Înainte de a merge la universitate, eram mai interesat de crearea Teatrului Vechi, am căutat toate producțiile și am simțit că acest lucru ar trebui făcut.
Pe lângă scenografie și marionetă, în ultimii ani ați fost implicat și în regia teatrală. Cum ai ajuns la ea, care a fost declanșatorul?
Avantajul studierii la DAMU consta și în faptul că toate departamentele erau mult mai amestecate acolo decât la Academia de Arte Performante, așa că am ajuns la alte lucrări decât la scenografie. Cu toate acestea, impulsul real a fost producția primului meu autor de Etograms. Din moment ce subiectul era dragostea bunicilor mei, nu-mi puteam imagina că ar putea fi regizat de altcineva. În același timp, componenta artistică a avut o poziție foarte puternică - acolo am creat scena în timpul spectacolului printr-o proiecție video live proiectată pe perdele. În acel moment, am avut senzația că nimeni nu a înțeles totul așa cum am făcut-o eu. Regia Etogramelor mi s-a părut evidentă, jucăușă și într-un mod simplu, ceea ce este deja posibil, poate și un optimism memorial. Încerc să fac fiecare dintre producțiile mele diferite și ceva interesant. Cu toate acestea, acest lucru nu ar fi posibil fără oamenii cu care lucrez.
Ulterior, Michal Belej, Jozef Štupák și Ján Tomandl și cu mine am fondat Primul Plan - o platformă pe baza căreia implementăm proiectele noastre de autor.
Un caz similar de „topuri” a fost proiectul tău imersiv Fake It Till You Make It?
Tema a fost povestea lui Jill Sharp, care timp de cinci ani pe instagram a pretins o relație cu un bărbat pe care nici măcar nu-l cunoștea. Și când a dat-o în judecată, ea a câștigat curtea. Împreună cu Michal Belej și Andrej Šoltés, am creat o producție care este o nuntă concepută în mod realist cu mijlociri, cupe dezgustător zahărite cu pâine prăjită și alte obiceiuri de nuntă. Și toate acestea duc la o concluzie surprinzătoare. Nunta este fabricată de noi, deși povestea lui Jill s-a încheiat fericită și a câștigat procesul, dar nu a mers la altar. Odată cu producția, încercăm să atragem atenția asupra contribuțiilor pe care oamenii le publică pe rețelele de socializare și cât de ușor sunt urmărite, trasabile. Repetiția a fost extrem de solicitantă, întrucât douăzeci de actori cântă aici și alte zece persoane se ocupă doar de desfășurarea spectacolului. Deci, nu este în puterea noastră să repetăm producția lunar. Cu toate acestea, planificăm noi reluări în iunie 2020.
Cred că ambele cazuri sunt actuale și periculoase și trebuie să atragem atenția asupra acestor subiecte, dar nu vrem să o facem prin drame dificile, umorul este în opinia mea un mod mai bun.