Vești bune pentru introducere: al doilea lungmetraj de animație din era unui stat independent a fost realizat în Slovacia! După proiectul orientat spre fani LokalFilmis (dir. Jakub Kroner, 2015), este un proiect personal și extrem de individual al designerului grafic ceh care locuiește în Slovacia, Matyas Brych Parralel. Personajul principal al filmului este un alpinist care, cu voința sa neclintită, depășește obstacolele vieții - mentale și fizice. La început încearcă să uite evenimentele tragice din viața sa, dar percepe că trebuie să se trezească și să-și accepte destinul.
O paralelă interesantă în acest proiect este povestea filmului și implementarea sa practică. După ce a citit opinia negativă a membrilor Comisiei audiovizuale a fondului (AVF) cu privire la finanțarea proiectului 2016, Brycha poate fi considerat și un cavaler din linia alegorică a filmului care încearcă să învingă un balaur, sau direct ca alpinist care vrea să urce un munte uriaș în ciuda rănilor. Matyas Brych câștigă cu siguranță în multe feluri - a scris, a desenat și a animat un film animat de lung metraj, în ciuda bugetului său redus, aproape fără experiență și personal, și a făcut filmul într-un multiplex. Totuși, această victorie personală este și o victorie în domeniul esteticii?
Parralel (Slovacia, 2018) REGIZAT DE CĂTRE:Matyas Brych, Vladimir Krisko SCENARIU:M. Brych ANIMAŢIE:M. Brych MUZICĂ: Proiectul Peter Bič, Stroon MINUT:82 min. EVALUARE:*** PREMIERĂ DE DISTRIBUȚIE:31 mai 2018
Eva Šošková (jurnalist de film)
FOTOGRAFIE: Visionfilm
Ocupația 1968
Ca și cum ar fi reticent în a avea o anumită formalitate a documentarului, Peter Kerekes este capabil să ciupească realitatea cu o insultă strălucitoare, astfel încât să activeze distracția în filmele sale, alături de conținut serios. În cazul noului opus Occupation 1968, care a fost creat într-o coproducție extinsă, Kerekes nu este un autor suveran, ci un producător important. Cu toate acestea, filmul poartă sigiliul supravegherii sale.
În cinci capitole ale filmului, a încercat să-și mențină viziunea și conceptul unificator, probabil și el tăiat de experiența sa în proiectul Slovacia 2.0. Tema ocupării Cehoslovaciei în 1968 este o mușcătură solicitantă, evidențiată de un nume direct, ca să spunem așa, puternic. Acesta mapează un eveniment istoric în funcție de dezvoltarea geografică a celor cinci țări ocupante. Transformarea opticii din spațiul ocupat într-o imagine mai intimă a fundalului agresiv este în familia abordării Kerekes, îndeplinind statutul memorabil al acestui eveniment politico-istoric printr-o ușoară diversiune în portofoliul său filmografic și stratificarea abundentă a „co -post "ocupant".
Cu toate acestea, materialul cinematografic definitoriu al dramei octavei a fost stratificat de exponenți din Rusia, Ungaria, Polonia, Germania și Bulgaria - cu excepția Bulgariei (Stefan Komandarev), reprezentanți ai generației tânărului regizor. Prima parte, rusă, filmată caracteristic de un autor care nu mai locuiește în Rusia, s-a apropiat cel mai mult de stilul cristalizat de claritate și puritate al lui Kerekes. Treptat, materialul este din ce în ce mai „fermecat”, mai ales în episodul polonez și mai puțin în ultimul episod bulgar. Imaginile cu mișcare lentă uneori citesc imaginea mai mult decât o subliniază. Împreună cu rătăcirea camerei (în pădure, arhive) sau ilustrativitatea stereotipă (turme care se învârtesc sub cer, atingând pianul în pădure, o întrebare adresată fostului cumpărător despre alegerea de a trage însoțită de o privire în mână ) crește greutatea nostalgiei sau patosului.
Îndoielile cu privire la poziția de paritate a părților individuale se strecoară între ambiția conceptului și îndeplinirea formală a acestuia. Deși un echivalent temporal și geografic predestinat poate fi un cadru comparativ adecvat, chiar ingenios, internalizarea temei istorice prin „reumplerea” esteticii lirice maschează undeva lipsa materialului narativ, care susține, de exemplu, repetarea unele imagini de arhivă într-un alt episod.
Dezvăluirea trecutului cu o poveste personală, o amintire, o scrisoare, un raport de arhivă, o revenire situațională sau mediatică, poziția actuală a martorilor intimează tema istorică și își răspândește statutul istoric public. A fost cu siguranță dificil să se determine poziția generală a publicului național și internațional de astăzi căruia i se pune la dispoziție subiectul. Diversitatea perspectivelor regizorale a traversat această cerere cu majoritatea opticii generaționale și un raport nepolitizant despre „războiul tăcut” și pionii săi.
Ocupația 1968 (Slovacia/Republica Cehă/Polonia/Bulgaria/Ungaria, 2018) REGIZAT DE CĂTRE: Yevdokia Moskvina, Linda Dombrovszky, Maria Elisa Scheidt, Magda Szymków, Stefan Komandarev MINUT: 130 min. EVALUARE: *** PREMIERĂ DE DISTRIBUȚIE: 22 iunie 2018
Eva Vženteková (jurnalist de film)
FOTOGRAFIE: Peter Kerekes
Bistro Ramen
Cu siguranță nu este un secret faptul că, în cazul mâncării, cu cât cultura este mai veche, cu atât bucătăria este mai bună și felurile de mâncare mai delicioase. Reflectă arta asimilării a tot felul de influențe străine, transformarea lor creativă în forme și gusturi noi. Este un fenomen cultural din care se pot deduce multe despre natura oamenilor, a celor care pregătesc mâncarea și a celor care o mănâncă. Situația este similară în filmul de coproducție singapur-japonez Bistro Ramen, care va ajunge în cinematografe în august.
Ramenul este mâncare japoneză, dar originile sale datează din China, deși coreenii susțin că le au. Fuziunile culinare asiatice sunt populare și nimeni nu va tolera naționalismele înguste. Ramenul constă dintr-o mână de paste lungi, stropite cu bulion și decorate cu o varietate de suplimente alimentare, de la ouă fierte, până la fructe de mare până la alge. Supele populare sunt vândute în mici restaurante din colțurile orașelor asiatice și, cu aspectul lor arhaic, sunt o sursă de amintiri melancolice din trecut. Este un fapt că, pentru istoria mâncării, tot ce a fost gătit într-un cazan este un ecou al celor mai vechi moduri de preparare a mâncării. Și supa aparține cu siguranță acelor vechi feluri de mâncare.
Filmul clasicului singapurean Eric Khooha își construiește povestea pe șirul melancoliei și nostalgiei, unde mâncarea, în special supa de umeri, este un purtător simbolic al relațiilor și legăturilor de familie. Mâncarea și familia aparțin împreună, la aceeași masă. Această imagine reflectă tradițiile, ritualurile și tot ceea ce contribuie semnificativ la constituirea culturilor individuale.
După moartea tatălui său, un tânăr, Masato, ajunge la Singapore din Japonia și care nu este clar despre istoria familiei sale. În plus, găsește jurnalul mamei sale, care descrie mizerabila lui călătorie de viață. Mama lui Masat a murit când era mic. Familia ei a respins-o pentru relația ei cu japonezii, iar inima ei nu s-a împăcat niciodată cu această excludere. Masato vrea să știe motivele și încearcă cu disperare să ajungă la bunica lui. La început, însă, nici nu vrea să audă despre fiul unei fiice nevrednice.
Relațiile cu japonezii sunt încă o problemă delicată în Asia. Brutalitatea celui de-al doilea război mondial, când soldații japonezi au comis adevărate atrocități, este adesea pe punctul de a se prăbuși, mai ales atunci când primul ministru de la altarul Shinto, Yasukuni, se închină victimelor războiului. Despărțirea în familia mamei lui Masat are loc exact în momentul în care acesta anunță că se va căsători cu japonezii. Vrea să-l suplinească în ciuda faptului că soldații japonezi au fost responsabili de moartea tatălui ei.
Asia, care nu a avut nici o experiență directă nici cu naționalismul, nici cu individualismul liberal, rupând aproape toate legăturile sociale și familiale tradiționale în numele libertăților individuale, răspunde la ambele doar prin exporturi coloniale. Familia rămâne o instituție extrem de importantă ca garanție a continuității de gen, culturale sau religioase. Distrugerea sau slăbirea sa este traumatizantă, ceea ce devine în cele din urmă subiectul multor filme asiatice. Legătura dintre familie și tradiția profesională are loc în filmul Eat, Man, Woman (1994) al creatorului taiwanez Ang Lee. Tatăl văduv, care este bucătar, se ocupă de viața celor patru fiice ale sale din poveste și, în cele din urmă, cu a lui. În TheRamen Girl (în regia lui R. A. Ackerman, 2008), o femeie americană „fără adăpost” se complace în tentația unei duble tradiții - familiale și culinare - și învață să gătească supă de umeri și îi găsește pe toți cei dragi.
Scenariștii lui Kho Tan Fong Cheng și Kin Hoh Wong, cu care a colaborat și la unele filme anterioare - Be With Me (2005), My Magic (2008) și Tatsumi (2011), au scris o poveste melodramatică standard, calculată pe baza reacției emoționale a publicul, care își amintește tranziția dificilă de la tradițional la modern, cu legături familiale relaxate. Tranziția a fost însoțită de conflicte generaționale, care sunt indicate și în relația dintre Masat și tatăl său. „Ar trebui să fiu un bol pe umărul meu pentru a mă observa”, spune fiul despre tatăl său, care a fost marcat de moartea iubitei sale soții pe viață. Prin urmare, Masato, ca reprezentant al celei mai tinere generații, caută o cale de întoarcere, la familie și la tot ce îi aparține, pe deplin în spiritul valorilor conservatoare clasice.
Regizorul Eric Khoo îmbracă melodrama într-o fragilă nostalgie pentru lumea trecutului și melancolie, întristare pentru tot ce a trecut pentru totdeauna. Interpretarea sa are caracterul unui stil poetic, apropiat în special de formele poetice scurte japoneze de haiku. Acestea sunt forme dramatizate axate mai mult pe atmosferă și valoarea estetică a poveștii decât pe secvența de situații care avansează povestea atent expusă.
Singapore este o răscruce de drumuri atât geografic, cât și politic și cultural. Stilurile chineză, japoneză și coreeană se întâlnesc aici, este un mediu îmbogățit cu fuziuni de diferite arome și forme. Poate de aceea Asia este un laborator pentru globalizare.
Bistro Ramen (Ramen Teh, Singapore/Japonia, 2018) REGIZAT DE CĂTRE:Eric Khoo SCENARIU:Tan Fong Cheng, Kim Hoh Wong CAMERĂ VIDEO:Brian Gothong Tan MUZICĂ: Kevin Matthews EI JOACA:Takumi Saito, Seiko Matsuda, Tsuyoushi Ihara, Tetsuya Bessho MINUT:89 min. EVALUARE:*** un pol PREMIERĂ DE DISTRIBUȚIE:23 august 2018
Viera Langerová (jurnalist de film)
FOTOGRAFIE: ASFK
Divin
Divin, adică Sorrentino, Servillo, politica, mafia și crimele. Deci, aproape totul - în afară de fotbal, mâncare și mare - pe care îl asociem cu Italia.
Publicul european va avea automat numele Silvio Berlusconi în legătură cu termenul de politică italiană - apropo, anul acesta va fi regizat de Toni Servillo, vedeta principală a filmului Divine, în regia lui Sorrentino. Cu toate acestea, în realitate, Giulio Andreotti a fost probabil cea mai importantă figură din politica italiană din a doua jumătate a secolului al XX-lea, mai puțin vizibilă în expresia și comportamentul său. El a condus guvernul de șapte ori și activitățile sale au fost asociate mafiei Cosa Nostra.
Filmul Božský (2008) a fost prezentat recent de spectacolul Cine vitaj și este acum lansat în distribuția cinematografică locală. Povestea sa se întoarce în 1991, când a început un proces împotriva mafioților la Palermo și a prezentat numele lui Andreotti. Sorrentino se concentrează, de asemenea, asupra lui și a practicilor sale în retrospectivă, pentru a-i clarifica privitorului motivațiile, sentimentele și a oferi o imagine mai cuprinzătoare a personalității sale. Respectiv, ar putea părea așa la prima vedere. Dar Giulio Andreotti, în calitate de „conducător” al unei națiuni sudice, nu îndeplinește deloc ideea unui italian tipic. Nu este o pisică, nici măcar nu merge la liga italiană de fotbal. Sorrentino și Serville se bazează pe impenetrabilitatea politică, iar această abordare paradoxal se dovedește mai potrivită decât, de exemplu, încercările cu orice preț ale regizorului Oliver Stone de a înțelege președinții Richard Nixon și George W. Bush. În plus față de o imagine de tip mozaic a funcționării politicii înalte și a tentaculelor mafiei din Italia, Sorrentino transmite astfel un mesaj că oamenii nu sunt liberi să judece după prima impresie. O atenție deosebită ar trebui acordată persoanelor cu imaginea unui oficial obișnuit.
Divin (Divo - Viața spectaculoasă a lui Giulio Andreotti, Italia/Franța, 2008) SCRIPT ȘI DIRECTOR: Paolo Sorrentino CAMERĂ VIDEO: Luca Bigazzi A TĂIA: Cristiano Travaglioli MUZICĂ: Teho Teardo EI JOACA: Toni Servillo, Flavio Bucci, Fanny Ardant, Michele Placido MINUT: 118 min. EVALUARE: **** PREMIERĂ DE DISTRIBUȚIE: 19 iulie 2018
Erik Binder (absolvent de studii audiovizuale la FTF VŠMU)
FOTOGRAFIE: Film Europe Media Company
Pablo Escobar: Urât și iubit
Industria filmului și-a găsit din nou Al Capone în ultimii ani. Viața convingătoare a gangsterului american poreclit Scarface a fost un model pentru mai multe lungmetraje la mijlocul secolului trecut, iar realizatorii au găsit acum o atractivitate similară cu domnul columbian Pablo Escobar, despre care se creează o serie de titluri de succes. Cu toate acestea, cealaltă contribuție a filmului la acest subiect este mai marcată de termenul „prost”.
Fernando León de Aranoa, regizorul și scenaristul spaniol Pablo Escobar: Hated and Beloved, a creat un produs pentru spectatorul modest. În timp ce binecunoscutul serial Narcos (2015 -) a împărțit povestea lui Escobar în părți de treizeci de ore, Aranoa funcționează cu o durată de 123 de minute. Pentru a simplifica cantitatea mare de informații, el folosește vocea off a amantei lui Escobar, cunoscuta prezentatoare de televiziune Virginia Vallejo (Penélope Cruz), care ghidează cu atenție privitorul printr-o poveste provocatoare. Starea de spirit este determinată de muzica sugestivă: publicul zâmbește la crimele poliției, plâng când arestează narcoticele și, între timp, se îndoaie în ritmul salsa columbiene. Dar nici vocea peste voce, nici muzica nu sunt cea mai absurdă componentă sonoră a filmului. Acestea sunt dialoguri. Creatorii nu au încercat să-și atingă autenticitatea folosind spaniola, care este limba oficială a Columbiei, ci adăugând un accent columbian la engleză. Acest lucru creează o limbă minunată paškvil, care uneori nici măcar nu ar fi posibilă fără subtitrări în limba slovacă. Aranoa nu a vizat mica piață din Spania sau Columbia, produsul său se datorează „privitorului de la Hollywood”, al cărui antierou romantic Pablo Escobar nu s-a săturat încă.
Pablo Escobar: Urât și iubit nu este altceva decât un model de afaceri a cărui singură misiune este de a genera profit. Chiar și nivelul relativ ridicat de măiestrie al filmului nu poate masca absența valorii artistice și creative.
Pablo Escobar: Urât și iubit (Loving Pablo, Spania, 2017) ÎNREGISTRAT DE ȘI SCENARIU: Fernando León de Aranoa CAMERĂ VIDEO: Alex Catalán A TĂIA: Nacho Ruiz Capillas EI JOACA: Javier Bardem, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard MINUT: 123 min. EVALUARE: 1/2 * PREMIERĂ DE DISTRIBUȚIE: 14. 6. 2018
Adam Straka (student la studii audiovizuale la FTF VŠMU)
FOTOGRAFIE: Bontonfilm
Mama Brasil
Deși inițial Irene refuză să renunțe atât la casă, cât și la Fernando, își dă seama că chiar și o schimbare aparent nefericită poate duce la o mai bună. Povestea acestei schimbări a fost scrisă de regizorul Gustavo Pizzispolu împreună cu fosta sa soție Karine Teles, care interpretează și rolul principal. O privire intimă într-o casă prăbușită merită să fie inclusă în competiția celor mai bune lungmetraje din lume la Sundance Film Festival din acest an.
Mama Brasil (Benzinho, Brazilia, 2017) REGIZAT DE CĂTRE: Gustavo Pizzi SCENARIU: G. Pizzi, Karine Teles CAMERĂ VIDEO: Pedro Faerestein A TĂIA: Lívia Serpa EI JOACA: K. Teles, Otávio Müller, Adrana Esteves, Konstantinos Sarris MINUT: 98 min. EVALUARE: **** PREMIERĂ DE DISTRIBUȚIE: 16. 8. 2018
Petra Sedláková (absolvent de studii audiovizuale la FTF VŠMU)
FOTOGRAFIE: ASFK
Solo: A Star Wars Story
Războiul stelelor este un fenomen al culturii pop și de mai bine de trei decenii o afacere de miliarde de dolari, pe baza căreia au fost create o serie de serii, cărți, benzi desenate, jocuri pe computer și alte produse de comercializare. Saga spațială a apărut în mod regulat în ultimii ani, de această dată crescând cu o mică secțiune din tinerețea contrabandistului obraznic și ursuz Han Sol - unul dintre cele mai distinctive personaje ale întregului brand.
Reprezentantul său Alden Ehrenreich arată într-adevăr retro și poate fi parțial satisfăcător din punct de vedere actoricesc, dar el este nesemnificativ. Chiar și creatorii nu au acordat caracterului suficient spațiu pentru dezvoltare. În același timp, este dificil să „stăpânești” discursul distinctiv al lui Harrison Ford, care întruchipează aproape toate personajele într-un mod de neînlocuit. În momentele în care Ehrenreich este pe scenă cu Woody Harrelson sau Donald Glover, ne îndreptăm cu ușurință atenția asupra lor.
Prequelul sub forma unui flashback profund asupra trecutului dorește să prevină filmele din anii 70 și 80, ceea ce în sine poate fi o problemă minoră. Tehnica și efectele speciale au avansat cu un pas major înainte și, prin urmare, partea mai sensibilă a bazei de fani va fi probabil deranjată de disparitatea vizuală datorată cronologiei povestirii din saga. Cu toate acestea, scenariul, care conține cele mai de bază legate de Solo, provoacă mai multe îngrijorări. Clarifică legendele și poveștile cu care este purtat eroul (sunt destule din filmele anterioare), dar el nu joacă, nu are o ambiție mai mare de a păși în adâncurile personalității Solo, încercați o nouă dimensiune, reîmprospătați-l cu răsuciri neașteptate și valoare adăugată inovatoare. Urmărim doar evenimentele care au condus la starea în care cunoaștem astăzi personajul lui Han Sol, ceea ce nu este suficient în acest caz. Pentru fani, această postare din serie a ieșit goală în anumite segmente.
Solo: A Star Wars Story (SUA, 2018) REGIZAT DE CĂTRE: Ron Howard SCENARIU: Jonathan Kasdan, Lawrence Kasdan CAMERĂ VIDEO: Bradford Young MUZICĂ: John Powell EI JOACA: Alden Ehrenreich, Woody Harrelson, Emilia Clarke, Donald Glover, Paul Bettany, Thandie Newton, Joonas Suotamo MINUT: 135 min. EVALUARE: *** PREMIERĂ DE DISTRIBUȚIE: 24 mai 2018
Pavel Bielik (publicist de film)
FOTOGRAFIE: Saturn Entertainment